Se recoge aquí un modo de ilustrar la ciudad a través de los incipientes mitos posmodernos como la juventud, el deseo, el inconformismo o la liberación de la mujer. Todo ello eclosionará en una ciudad que viene escenificada en la narración gráfica a través de los diversos espacios de la posmodernidad: la ciudad pop, la arquitectura pantallizada, los terrain vague, la ciudad-flipper, los barrios abandonados, los paisajes lisérgicos, la naturaleza artificial o el parque temático. La metrópoli se presenta bajo los códigos del pop, que dan soporte a los espacios de la ciudad del espectáculo exhibiendo un espacio público transformado bajo las leyes de la publicidad.

Ver artículo completo en

https://revistas.ucm.es/index.php/ARIS/article/view/76224

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El artículo está basado la investigación realizada en el Máster Universitario en Investigación y Formación Avanzada en Arquitectura, realizado en  2012-2013.

Abstract

 «El cómic ha supuesto un elemento fundamental en la configuración del imaginario colectivo desde posiciones marginales. A través de sus historias, la ciudad ha sido entendida como un campo experimental y en constante mutación. Estas transformaciones urbanas, imaginadas a lo largo de diversas narraciones gráficas, constituyen propuestas en las que la ciudad, y principalmente el espacio público, ensayan su relación con la sociedad. En este producir imágenes receptoras de las inquietudes de cada época, se ha ido construyendo un  imaginario colectivo que va elaborando ensayos y simulaciones. Este estudio pretende abordar ciertas propuestas de modelos urbanos y sociales que anticiparon una serie de autores a lo largo del siglo XX a través del cómic. Estos mecanismos han servido para interpretar el mundo sensible y en ocasiones para anticipar o sustituir la realidad«. (Ignacio Grávalos)

Diego,L. (et al) (coord). Open Sourcing. Investigación y formación avanzada en arquitectura. Universidad San Jorge. Zaragoza, 2016

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“Una razón más (…) para que el hombre, ‘cada vez más nuevo’, admita cada día realidades que fueron irrealidades un instante antes. Todo depende del poder de la imagen, de la persuasión o de su, en muchos casos, premonición”. (Muñoz Suay)

Zig et Pucé es un cómic franco-belga creado por Alain Saint-Ogan en 1925 y que tendrá continuidad hasta 1954 [1]. La serie fue publicada inicialmente en Dimanche Illustré, el suplemento dominical del diario francés L’Excelsior.Relata las aventuras dos adolescentes que, al igual que le sucedía a Little Nemo [2], transcurren en escenarios fantásticos y fuertemente influenciados por el Art Decó. En Francia, las tiras tendrán un éxito sin precedentes. Presenta algunas innovaciones técnicas, siendo el primer cómic francés en incorporar los ‘bocadillos’ de conversación en las viñetas. Su estilo de dibujo tendrá una gran influencia en autores posteriores, siendo considerado  precursor de la llamada línea clara.

Artículo completo:

http://www2.ual.es/RedURBS/BlogURBS/zig-et-puce-en-el-siglo-xxi-visiones-sobre-la-ciudad-del-futuro/

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¿Era previsible  la llegada de un nuevo espacio público? Aquellas remotas ficciones, ahora resultan de una asombrosa actualidad…

«Las Vegas» de Venturi                                               La «Roma» de Peellaert

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En 1968 Reyner Banham escribió The Triumph of Software[1], un artículo que plantearía un debate inesperado. Detectó en esas líneas una nueva sensibilidad que el mundo iba a mostrar en sus formas de expresión y que afectaría, de manera especialmente sutil, a la arquitectura. Su discurso se apoyó principalmente en dos películas que se estrenaron ese mismo año y que le permitieron ilustrar sus tesis.

2001: una odisea del espacio, de S. Kubrik  y Barbarella, de R. Vadim, ambas del género de ciencia-ficción, arrojaban lecturas muy distintas sobre la tecnología espacial. La película de Kubrik, estaba basada en El centinela, un cuento de Arthur C. Clark de 1948, mientras que la de Vadim, tenía su origen en un cómic del mismo nombre creado por Jean-Claude Forest en 1962. Una vez más, se iban a infiltrar a través de las pantallas indicios de actitudes que, sustentados por un potentísimo lenguaje visual,  pretendían imaginar el futuro.

En 1957, la confianza en el progreso y en los avances científicos se materializaba en con el lanzamiento al espacio del Sputnik (el primer satélite artificial) y se escenificaba con  la Exposición Universal de Bruselas de 1958  bajo el lema “por un mundo más  humano”. En 1968, este entusiasmo empieza a dar signos de agotamiento. Ese mismo año, Roszak publica El nacimiento de una contracultura, que recoge una nueva sensibilidad y argumenta las inquietudes de  una incipiente y descontenta juventud hippie, que daba la espalda al mundo prometido por la ciencia, y se alejaba de las promesas de la modernidad para emprender un nuevo retorno a la Tierra. En esos años, el desencanto por el futuro era ya manifiesto. Sin embargo, en este contexto, la visión de Banham permanece todavía optimista y las cuestiones tecnológicas y espaciales mantienen aún un carácter fundamental en la evolución de la arquitectura y la sociedad.

Secuencias de 2001, una odisea del espacio. Interior nave espacial.

Pero volvamos a las dos películas. Esas dos ficciones fílmicas sobre la deriva humana, presentaban dos versiones muy distintas sobre el futuro. 2001, una odisea del espacio representaba, con una precisión sin precedentes, la evolución de un universo mecánico. La nave espacial, geométricamente definida, estaba constituida por una serie de piezas metálicas ensambladas. Era una sublimación de la producción en serie, del montaje, de lo articulado y del acoplamiento perfecto de diversas planchas modulables. Y esta perfección estaba transmitida por la rigidez, lo metálico y lo uniforme. Los espacios se podían descomponer en planos euclidianos. Y todo ello estaba realzado por la adopción de encuadres herederos del Quattrocento, con posiciones del punto de vista centrales, simétricos, más propios de un universo divino, en la que desaparecía la posición subjetiva y humana en favor del objeto. Del mismo modo, los tripulantes de la nave eran portadores de equipos espaciales que creaban una piel superpuesta, ajustados mecánicamente a las necesidades térmicas y tecnológicas necesarias. Un conjunto de tubos, cajas, interruptores y conexiones conformaban una segunda silueta artificial que no dejaba entrever las peculiaridades de un cuerpo humano recubierto.

Secuencias de Barbarella. Interior nave espacial.

Barbarella, sin embargo, adoptaba una posición bien distinta. Presentaba una nave espacial forrada de piel, en la que se había perdido la cuestión mecánica y los interiores estaban definidos por una piel continua, flexible y adaptable a una geometría difusa. Para subrayar este efecto, la tripulante, una jovencísima Jane Fonda, presenta por primera vez un ajustado vestido de plástico (una inspiración que sería desarrollada por Pierre Cardin en el mundo de la moda).

Pierre Cardin. Colección invierno 1968.

Es en estos detalles donde Banham intuye una nueva sensibilidad, proponiendo una dialéctica entre el mundo hardware, ilustrado por 2001 y el mundo software, expresado por Barbarella. Esta última introduce el concepto “soft”, una nueva manera suave, personalizada, no estandarizada; una manera blanda de concebir los elementos constructivos, en que se muestran lo “flexible, continuo y adaptable” como configuradores de un nuevo ambiente sensible. Se inicia así una puesta en valor del plástico como material que será capaz de dar forma polimérica a las nuevas aspiraciones de finales de los sesenta.

Es allí donde aparece el  Banham visionario, que detecta este cambio de actitud, un cambio que afectará a la misma arquitectura, convirtiendo Barbarella en una pieza de culto. Por un lado, se nos presenta la máquina de habitar, significada por una serie de mecanismos necesarios para el acondicionamiento del edificio. Es fácil imaginar el Centro Pompidou como paradigma de esta visión. Por contra, el modo “software”, estaría más relacionado con la máquina suave, con procesos metabólicos e interactivos, en esta ocasión representada por la arquitectura pop. Esto revela la importancia de la piel como elemento regulador y transpirador que permite reaccionar y establecer un control del espacio según las interacciones del exterior. En este marco, el autor establece una relación entre la piel natural y la membrana artificial. Banham, a su vez, sueña con la posibilidad de un material cultivable, orgánico, que pudiera ir creciendo con el edificio e ir dando respuestas abiertas, con la posibilidad de una manipulación genética de los nuevos matieriales (pieles, musgo, polvo, etc.). Del mismo modo, propone una arquitectura cercana al objeto de consumo, caducable y desechable. Y todo ello, programado para reaccionar a estímulos, para improvisar respuestas, para salirse de un camino lineal hacia la muerte.

Barbarella. Cápsula plástica.

La arquitectura promovida por Banham busca las referencias tecnológicas de la cápsula espacial, de los incipientes ordenadores, de los elementos fundadores de la era atómico electrónica, conformando lo que él mismo llamó “la historia de un futuro inmediato”[2]. La apología de una membrana plástica adaptable ya la había ensayado tres años antes en el texto “A Home is not a House”, en el que presenta el Enviromental Bubble, una burbuja de plástico habitable. La arquitectura pop, desarrollada durante esos años fundamentalmente por los Archigram, avanzaba en ese sentido hasta su disolución en 1974. A partir de entonces las propuestas utópicas se disolverían en el tiempo.

Años después, el sueño metabólico sería sustituido por la programación digital. La paulatina desaparición de las infraestructuras físicas sería sustituida paulatinamente por códigos y datos. El mismo planeta, se cubriría con una red de satélites flotantes y redes de fibra…..El mundo, aunque en otro sentido, sería definitivamente software.

[1] Publicado originalmente en la revista New Society en 1968. Posteriormente fue recogido en el libro Design by choice, publicado en 1981.

[2] Banham, Reyner. “The History of the Inmediate Future”,1961

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«La maison de Freud»_Nacho Grávalos

1.

“Alrededor de 1927, un matrimonio con dinero y buena posición social, los Dalsace, buscaban en París una casa donde fijar su residencia. Cuando dan con el edificio, una casona entre medianeras de varias plantas encerrada en un patio de manzana, ésta se encuentra en tan mal estado que tanto los futuros propietarios como el arquitecto acuerdan derribarlo y reconstruirlo. Pero una anciana que vivía en el tercer piso se niega a abandonar su residencia, por lo que finalmente se decide demoler los dos pisos inferiores y mantener lo que había por encima. Estas dos exigencias determinaron el uso de estructura metálica y la elección del vidrio para la fachada.” (*) 

2.

Una amiga me comentó una vez la siguiente anécdota. Era una temporada en la que estaba saliendo de una depresión y acudía regularmente a un psiquiatra. En una de las sesiones él le preguntó si ella conseguía dormir bien. Ella respondió que no, que con frecuencia se despertaba por los ruidos que la vecina del piso superior producía a mitad de noche. Era como si se pusiera a arrastrar muebles de un lado a otro de la casa. Sin embargo, una vez despertada, estos ruidos dejaban de producirse.

El psiquiatra le dijo que lo que ella oía por las noches no eran los ruidos de la vecina, sino el rumor que provocaba su propia mente al intentar reordenar sus ideas.

 (*)”La maison de verre. La sensualidad de lo velado”. Alfonso Díaz Segura. Publicado en Via-Arquitectura, 12.

«Acto I»_M.B.

Salón de la Maison de Verre, construida por el arquitecto francés Pierre Chareau y el arquitecto holandés Bernard Bijvoet, en 1928/1932, en París, 31 rue Saint Guillaume.

Ella: Mucho interés en que Chareau hiciese la reforma del edificio para nuestra vivienda y ya ves lo que nos ha creado, parece el interior de las fábricas de mi padre.

El: (Dr. Dalsace) Yo intercedí ante Pierre para este proyecto, por simbolizar y atenerse a las enseñanzas de Le Corbusier, o incluso de Luçart, pensando que no le influiría tanto el holandés Bijvoert. Tu sabes que Pierre, después de haber realizado el Club House de Beauvallon, con este edificio-vivienda, que tu censuras, proporcionó la más original versión de la moda actual, según todos los críticos.

Ella: Sí, ya lo leí el otro día, que «esta construcción es un ejemplo de montaje experimental de materiales de producción corriente», sólo hay que ver los pilares metálicos con empalmes roblonados, igual que las naves de la fábrica de papá. Sólo faltaban las dos fachadas acristaladas con eso que llaman pavés, que tapan la visión del jardín.

El: Te insisto, eso que tan hábilmente censuras, no deja de reflejar la poética del material moderno que subraya todo el detalle constructivo.

Ella: Parece que me estés leyendo el artículo de Pierre Patout, de cómo el Art Deco se presta de esta manera a ceder el paso a una alegoría de sublimados motivos tecnológicos.

El: Me marcho a la clínica. Ya verás que, con el tiempo, te gustará vivir aquí.

Ella: Eso espero.

Se apaga la luz y el telón cae rápidamente.

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«Sin título»_Alfonso Torres

«Locus amoenus»_Paco Pellicer

Un lugar idealizado de seguridad y de confort.
Un Edén de acero y hormigón, lejos de las sombras del bosque abierto y
las praderas.
Un elemento de primera necesidad en obras pastorales de la arquitectura
Un retórico lugar común de la creación.
Una cárcel abierta
Un espacio en el corazón de la ciudad donde las pasiones eróticas pueden
ser libremente exploradas, ocultas del orden social que tiende a reprimir.
Un respiro en la escena de pasionales encuentros.
Un lugar femenino, opuesto a la rígida estructura civil masculina.
Un sueño de una noche de verano.
Jazz
Templado
Luz
Copas
Proyectos ordenados
Tubos de pintura por el suelo
Abstracción
Intimidad colectiva
Complicidad
Un paisaje ya sin miradas, más de olores de proximidad, mezcla de
cuerpos saciados, acrílicos, tabaco y perfumes perturbadores.
Un momento de aislamiento cómplice y frágil que puede romperse en
cualquier momento,
se gesta la propuesta.
En la calle pitan los coches retenidos por otros aparcados en doble fila.
Jazz
Ameno
Lugar
Caricia…

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Sergio Baragaño_»Nouvelle Vague».

La portada de Le Monde mostraba la recepción del matrimonio Dalsace para presentar su nueva vivienda en sociedad. Había sido un éxito, la imagen recogía, el diálogo alrededor de un piano y una botella de vino cuando la noche agonizaba, en el salón-biblioteca de la Maison de Verre, obra de Pierre Chareau, Bernard y Dalbet.
La fiesta, celebraba el final de una compleja obra de más de cuatro años y reunía varias generaciones de La Bohème parisina e invitados extranjeros, venidos de lugares y momentos históricos diversos. Una escalera ligera, con aspecto industrial, conectaba directamente con el primer nivel, mientras caía el sol, en el distinguido barrio de Saint-Germain.
Cartier Bresson, amigo de Chareau, capturaba el momento. Nouvel y Perrault, de riguroso negro, se dejaban ver, junto a Laetitia Casta. Sert y su mujer, charlaban con Miró y Le Corbusier, que habían sido los padrinos de su boda. Cortázar, firmaba ejemplares de Rayuela, mientras Alberti recitaba. Gaultier, YSL y Channel, esperaban a un John Galiano, que nunca llegó. Napoleón con Josefina y Sarkozy junto a Carla, caminaban tras La Libertad guiando al pueblo, de Delacroix. Fignon y Lemond de riguroso amarillo, junto a Piano y Rogers, llegaban en bicicleta desde el Pompidou, saludando a Los Eames que tras un largo viaje, aparcaban su sidecar.
Niemeyer exiliado, besaba a Aino Aalto y bromeaba con Alvar sobre el último CIAM. Una bella Jane Birkin cantaba Je t´aime al oído de Gaingsbourg. Depardieu, brindaba con vodka por su reciente nacionalidad. Boudellaire ejercía de Flâneur, mientras Astérix y Obelix, se ocupaban de la bebida, con ayuda de Paul Bocuse. Vanesa Paradise y Lenny Kravitz, cantaban en un improvisado escenario.
Scott y Venturi, recién llegados de Las Vegas, charlaban con Rem Koolhas. Pei, tampoco faltó a la cita. Kundera y Kieślowski, discutían sobre la Insoportable Levedad del Ser, mientras Juliete Binoche, de blanco , azul y rojo, escuchaba admirada. Sonaba Midnight City, de M83, Zidane y Platini, bailaban como antaño hacían con la pelota, observados por Rafa Nadal, que celebraba un nuevo Roland Garros. Picasso, reía junto a Woody Allen, quien abrazado a Soon Yi, le explicaba el guión de Midnight in Paris.
Dominique A al piano cantaba Inmortels. Al final de la escapada, Seberg y Belmondo, se besaban junto a la gran pared de bloques de vidrio translúcido, amanecía en la ciudad de la luz. Godard reía.
Je ne t’ai jamais dit
Mais nous sommes immortels …

Eduardo Almalé

En la claridad, bajo una luz abstracta y pura, el matrimonio Dalsace conversa tras atender a sus invitados.

A: No acabo de comprenderles…

J: Cariño, no te alteres.

A: Necesito descansar unos minutos, sin embargo…

J: Dentro de unos meses nadie hablará de esta casa.

A: Quizás tengas razón…

J: Ani ¿Te apetece otra copa de vino?

A: Sí, tomemos otra copa de vino, Jean.

La entrada La Maison de verre (VI)_SERGIO BARAGAÑO / EDUARDO ALMALÉ se publicó primero en GRÁVALOSDIMONTE, Arquitectura Zaragoza.

Clara Nubiola_»De espacios, historias y guiones»
¿Cómo se trazan los espacios personales?
¿Cómo se delimitan las paredes imaginarias?
La pared traslucida, el techo inacabable o la amplitud que ensancha son dominio de todos. El espacio también. Es la condición.
Pactar silencios. También musicalidades.
Así, nace el espacio propio dentro de lo común.
Y los objetos. El mobiliario.
Actores también de la trama espacial.
Ellos ordenan al vacío.
Insinúan lo colectivo.
O invitan al receso.

Tres timbres al entrar – uno para las visitas, otro para los consultas médicas y otros para el servicio- son el preámbulo de una casa, la casa de Verre, donde ningún objeto, espacio o decisión están dejados al azar.

El salón- en la imagen-, es el espacio cinematográfico, el decorado donde personas, objetos y actividades son atrezo de este dibujar y desdibujar espacios al son del ir y venir de las visitas.

Un espacio para la narración.
De historias y guiones.

Zuloark

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Antón Castro_»La mejor función»

Una tarde, en el teatro, los conocieron. Dos mujeres solas para dos hombres solos. Empezaron a hablar por casualidad: a uno de ellos le había impresionado el actor principal; el otro subrayó el buen trabajo de la actriz de reparto y qué importante es en una función la puesta en escena, los elementos que configuran un espacio y un atmósfera. Tomaron algo y luego, con más confianza, pasearon un rato por distintas calles. Al pasar por una plazoleta, uno de ellos dijo: “Ahí tenemos el estudio”. Subieron. Les impresionó todo: la amplia cristalera, la decoración, los techos altos, la biblioteca y su escalera de madera y raso. Uno era pintor y estaba terminando un retrato; el otro era pianista y compositor. El pintor les enseñó algunos de sus cuadros, los bocetos, dibujos al carbón sobre papel. El músico estaba escribiendo una pieza en cuatro tiempos sobre el cierzo. El artista se acercó a Elena, le besó la oreja y le dijo: “He perdido la inspiración. ¿Por qué no me enseñas tu mejor desnudo?”. Clara se acercó al pianista y le besó en el cuello. Las dos, de forma diferente, estaban a punto de convertirse en musas. La mejor función empezaba ahora. En otro teatro.

Brijuni arquitectos_»sin título»

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